투구 쓴 여인(무장여인상) 그는 누구인가? / 아테나 [Athena]

투구 쓴 여인(무장여인상) 그는 누구인가?

아테나_Athena

투구 쓴 여인(무장여인상) _ 아테나 [Athena]

우리가 학원에서 “투구 쓴 여인”이나 “무장 여인”으로 불리는 석고상이 사실은 아테나(Athena) 이다.

'하늘의 여왕'을 뜻하는 수메르어 아나타(anatha)에서 유래.
제우스가 혼자 낳은 딸로서 제우스의 머리에서 무장한 채로 태어난 처녀 신으로 로마신화의 미네르바(Minerva)에 해당하며 올림푸스 12신 중 하나이다. 전쟁과 여러 가지 기예(技藝)의 수호신이며 도시의 수호신이기도 하여, 그리스의 여러 주요 도시에 아테나의 신전이 있었다.
처녀 신이었으나, 같은 처녀신인 아르테미스와는 달리 남성을 멀리하지 않고 오히려 남성적인 행동을 즐겼으며, 싸움터에 가는 용사들을 응원했다.
그녀의 성조(聖鳥)는 지혜를 나타내는 올빼미였고, 그녀에게 바쳐진 식물은 올리브였다.

아테나는 헤파이스토스가 도끼로 제우스의 머리를 쳤더니 완전 무장한 성인의 모습으로 뛰어 나왔다고 하는데, 이 아테나의 탄생 경위에 대해서도 여러 가지 설이 있다.
가장 일반적인 것은 다음과 같은 것이다.

현명한 티탄 여신인 메티스(지혜로운 충고)에게 구혼하여 결혼하게 된 제우스는 메티스가 알려준 대로 아버지인 크로노스에게 토제(吐劑), 즉 구토약이 섞인 음식을 크로노스에게 먹여 자신의 남매들을 토하게 한다.
그런데 메티스가 제우스의 아이를 배었을 때, 제우스는 조모인 가이아로부터, 만일에 메티스가 제우스의 두 번째 아들을 낳으면 그가 아버지를 쓰러뜨리고 천지를 지배할 것이라는 경고를 들었다. 이 때문에 제우스가 메티스를 통채로 삼켜 버렸다고 한다.

그러나 이 점에 관한 다른 설에 따르면, 제우스는 자신의 지위를 위협 받는 일 없이 메티스의 지혜만을 이어받은 아들을 낳아 달라고 메티스를 열심히 설득했으나, 평생 처녀로 있고 싶었던 그녀는 계속 모습을 바꾸면서 도망쳤다. 이에 제우스는 메티스가 파리로 변신한 기회를 이용하여 그녀를 삼켜버렸다. 그러자 메티스가 아테나를 임신하게 되었다고 한다. 그러나 어느 설에 따르더라도, 메티스가 임신한 아이는 제우스의 머리로 이동하여 아테나 여신으로 태어났다고 하는 점에서는 일치되어 있다.

아테나의 가장 위대한 성역은 아테네의 파르테니온 신전이다. 아테나는 포세이돈과 싸워 이 도시를 손에 넣었다. 포세이돈이 아크로폴리스 언덕의 샘에 소금물이 솟도록하자 아테나는
여기에 올리브 나무를 심어 대항했는데, 올리브 나무가 실용성이 있다고 생각한 아테네 시민들은 자기네 수호신으로 아테나를 택했다.화가 난 포세이돈은 아티카 지방에 홍수가 일어나도록 했다.
그러나 시민들이 아테나에 다음가는 지배권을 그에게 맡기자, 그는 마음이 누그러져
홍수를 물러가게 하고 아테네를 자기 마음에 드는 도시로 만들었다.

아테나 여신과 아테네 시를 결부시키는 이야기로는 또 에릭토니소스 이야기와 오레스테스 재판의 이야기가 있다.
전자의 경우는 이야기가 상당히 황당하다.
트로이 전쟁 때 아테나는 헤파이스토스의 대장간에 찾아가 무기제작을 청하였다. 아테나의 아름다움에 감탄을 하며 쾌히 승락하고, 일에 열중하고 있던 헤파이스토스가 갑자기 돌아서며 아테나를 덮쳐 안았다. 기겁을 하며 놀란 아테나는 몸을 뒤틀었다. 이때 헤파이스토스는 그만 아테나의 넓적다리에 사정(射精)을 해 버리고 말았다. 아테나는 재빨리 올리브 잎으로 이것을 닦아 버렸다.
그런데 이 정액은 공교롭게도 땅에 떨어져 애매한 대지의 여신에게 수태를 시키고 말았다. 억울하게 남의 아이를 낳은 대지의 여신은 노발대발하며 이 아이를 못 기르겠다고 했다. 하는 수 없이 아테나가 맡아 기르게 되었다.
여신은 아기를 상자에 넣어, 안을 들여다 보아서는 안된다는 엄명과 함께 상자를 케크로프스의 딸들에게 맡겼다. 그러나 두 딸이 호기심을 이기지 못해 상자 속을 들여다보니 뱀 한 마리가 있었다.
(또는 뱀의 꼬리를 가진 아기가 있었다고도 하고, 뱀이 아기를 감고 있었다고도 한다.)
이에 놀란 처녀들은 아크로폴리스 언덕에서 투신자살을 했다. 여신은 아기를 상자에서 꺼내 자기 신전에서 키웠다. 어른이 된 에릭토니오스는 아테네 왕이 되었다.

아테나와 아레스는 모두 군신이지만, 양자 사이에는 큰 차이가 있다. 그리스인, 특히 호메로스는 아테나 여신 쪽을 좋아했다. 아레스가 전투의 난폭한 면을 나타내는 대신, 아테나는 지적인 전술을 나타낸다.

『일리아드』에서도 아테나는 항상 아레스와 대립했다. 한 번은 디오메데스의 창으로 아레스의 복부를 찔러 부상을 입힘으로써 아레스를 싸움터에서 도망치게 했다. 제우스는 아테나를 사랑하고 아레스를 증오했다. 

구로구입시미술학원

포트폴리오(Portfolio)의 첫걸음

포트폴리오(Portfolio)의 첫걸음

1. 포트폴리오의 필요성:
 포트폴리오는 작가의 작품을 압축적으로 간단하게 소개하는 작품집이라고 할 수 있다. 그러므로 포트폴리오는 작품의 이미지들을 작가의 개성에 맞게 구성하여 작가가 지닌 예술적 능력과 작업의 성과과정을 설득력 있게 어필(appeal)할 수 있도록 제작 되어야 할 것이다. 국내 미술 대학원뿐만 아니라 유럽이나 미국의 학교에 유학을 준비하고 있다면 포트폴리오 제출은 필수로 요구되며 미술분야 전문직종을 원할 경우에도 기업체에서는 능력을 평가하는 기준으로 제출을 요하기도 한다.
 순수 작업을 하는 작가들에게 있어서도 화랑이나 화상, 큐레이터, 비평가 또는 작품 구매 의사가 있는 기업에 자신의 작품을 소개할 때도 적절하게 쓰이며,이를 계기로 실력을 인정 받는다면 예술 기금이나 스폰서의 후원금 보조를 받을 수도 있는 것이다. 포트폴리오를 일반적으로 작가가 자신의 작품을 소개하는 시각적인 정보로만 생각할 수 있으나 작품 자체가 갖는 이미지 뿐만 아니라, 작품과 자료에 맞는 개성 있는 연출(디자인) 에 의한 또 하나의 작품이라고도 할 수 있을 것이다. 자신의 손에 의해 탄생되는 제2의 작품이므로.



2. 자료 수집과 파일링(filing)

1- 파일링(filing) :
 개성 있는 포트폴리오를 만들기 이전에 먼저 1단계로 포트폴리오에 쓰일 자료 준비가 있어야겠다. 자신의 작품에 관한 아이디어, 메모, 스케치, 습작 등을 모아두거나 잡지나 브로슈어에서 작품의 모티브가 될만한 사진, 이미지를 골라내어 스크랩해 두는 습관을 갖는다면 타인과는 차별되는 자신만의 아이디어 뱅크를 두는 셈이다.
 흩어져 있는 정보들을 얼마나 효율적으로 관리를 해 놓는가는 다음 작업으로 이어져 새로운 아이디어를 제공받을 수 있는데에 아주 유효하다. 이 자료 파일은 제출을 위한 목적이 아니므로 자신이 관리하기 편리하도록 수집, 보관하면 된다. 아이디어 메모나 신문기사, 사진 등을 보관하는데는 속지에 색인용 카드를 붙여 항목을 분류해 정리할 수 있는 A4(210 x 297 mm)크기의 바인더 북이나, A3 크기 의 줄무늬 없는 아트지노트를 이용해도 좋다.
 오리지널 작품을 찍어둔 사진이나 슬라이드도 연대순이나, 주제별, 기법순으로 분류해 놓으면 포트폴리오 제작을 위한 준비가 훨씬 편하다. 사진의 경우는 낱장 비닐주머니로 된 작은 앨범 파일이 서로 붙을 염려가 없고, 여러 장의 사진을 살펴보기에 편리하다. 슬라이드 또한 한 눈에 살펴 볼 수 있는 페이지식 슬라이드 첩이 좋을 것이다.

2- 항목분류 :
 자료를 무작정 많이 모아두기만 하는 것은 유용한 정보의 역할을 할 수가 없다. 일단 수집된 자료는 항목별로 색상이 다른 파일별로 분류하거나 시중의 일반 서류봉투에 분리한다. 그리고 나서 자료를 찾을 때 용이하도록 본인이 알아 보기 쉽게 내용물의 주제나, 가나다순, 날짜, 크기, 발췌한 곳 등을 명시해 두는 것을 잊지 말아야 한다.

구로구미술학원 / 전원미술학원 구로 캠퍼스

[이주헌의 알고 싶은 미술] 쿤스트카머 (16)

지적 호기심의 아카이브

쿤스트카머

진귀품 모아둔 경이로운 방

18세기 박물관 뜨면서 퇴조

 ≫ 프랑켄, <쿤스트카머 컬렉션>, 1636년 이후, 나무에 유채, 74x78㎝, 빈 미술사 박물관

“아이아스는 저 아킬레우스의 방패에 새겨진 참으로 의미심장한 부조, 가령 바다와 땅, 땅에 산재하는 도시, 별 박힌 하늘, 플레이아데스 성단, 히아데스 성단, 바다에 들 수 없는 곰자리, 그리고 오리온의 저 빛나는 칼날의 의미를 이해하지 못합니다.”

영웅 아킬레우스의 유품을 놓고 아이아스 장군과 다툼을 벌인 오디세우스가 그리스 군대 앞에서 펼친 주장이다. 아이아스가 제아무리 무공이 대단해도 자신이 아킬레우스의 유품 상속자가 될 수밖에 없는 이유는, 방패 하나를 보더라도 단순히 무기로만 생각하는 게 아니라 거기에서 우주의 법칙과 역사, 문화를 읽어내는 지성이 있기 때문이라는 것이다.

이처럼 문명이 동터오던 시절부터 지식은 인간의 가장 강력한 힘이었다. 그래서 예부터 사람들은 호기심을 자아내거나 지성을 자극하는 사물들을 적극적으로 수집했다. 고대 로마의 전기 작가 수에토니우스는 로마의 초대 황제 아우구스투스가 그의 집을 “조각상과 회화뿐 아니라 오래됐거나 진기한 사물들, 이를테면 카프리 섬에서 발견된 기괴한 야수들의 거대한 유해로 장식했다”고 기록했다. 아우구스투스의 컬렉션 또한 지배자로서 세계를 한층 폭넓게 이해하고자 했던 열망의 발로였다.

지적 욕구를 동반한 이런 종류의 수집열이 유럽 역사에서 열정적으로 나타났던 최초의 시기는 성기 르네상스 무렵부터 바로크 시기까지다. 당시 제후들은 이상하고 특별한 사물들, 그러니까 원래의 형태보다 아주 크거나 작은 것, 이국적인 것, 생소한 것, 기괴한 것,드문 것, 그리고 아름답거나 우수한 것 등을 적극적으로 수집했다. 이런 진귀한 사물들을 모아놓은 곳을 독일어로 쿤스트카머(Kunstkammer) 혹은 분더카머(Wunderkammer)라고 불렀는데, 우리말로 하면 각각 ‘예술의 방’, ‘경이의 방’ 정도가 되겠다.

오늘날의 박물관이나 미술관의 조상쯤으로 볼 수 있는 이 공간들에는 보통 갖가지 자연의 산물과 인공 사물들, 예술품이 뒤섞여 있었다. 예를 들면 불가사리, 원숭이 이빨, 상어 지느러미, 악어가죽, 인도의 배, 인광성 광물, 이집트 조각상, 동전, 메달, 회화, 조각 등이 혼재되어 있었던 것이다. 그래서 엄밀히 이야기하면 ‘쿤스트’나 ‘분더’ 어느 하나로 부르기 어려운, ‘쿤스트’와 ‘분더’의 의미가 결합되어 있는 공간이 쿤스트카머였다. 르네상스가 전인(全人)의 개념을 꽃피운 시대라는 것을 생각한다면, 왜 이처럼 한 공간에 온갖 지적 호기심의 대상이 몰려 있었는지 이해할 수가 있다.

프란츠 프랑켄의 <쿤스트카머 컬렉션>은 그런 쿤스트카머의 성격을 잘 보여준다. 그림에 등장하는 것은 특이한 조가비들과 메달,보석, 로마시대의 도기, 명나라 도자기, 조각과 그림 등이다. 벽에 걸린 그림들 사이에도 보존 처리된 열대어류와 호박구슬 끈이 걸려 있다. 오늘날의 관객으로서는 문화인류학이나 생물학 같은 학문의 범주에 따라 대상을 분류해 주고 싶은 생각이 굴뚝같을 것이다. 특히 개별 학문의 대상이 미술품과 함께 놓여 있는 게 영 불편하게 느껴질 수도 있다. 앎의 대상과 감상의 대상은 구별되어야 하는 게 아닌가.

≫ 판 케설, <대륙의 알레고리> 중 ‘아메리카’, 1666, 동판에 유채, 뮌헨, 알테 피나코테크

그렇지만 당시의 사람들 처지에서 보면 좀 다르다. 그들에게 그림은 오늘의 우리가 생각하는 것만큼 순수한 감상의 대상만은 아니었다. 벽에 걸린 그림들은 공간과 사물, 종교에 대한 중요한 정보와 지식을 우리에게 전해준다. 실물로 가져올 수 없는 먼 곳의 풍경이나 성경상의 사건들을 ‘수집’ 가능하게 해주는 게 그림이다. 오래 보존하기 어려운 사물의 경우에는 그림이 그 이미지를 포착해 영구히 보존해주기도 한다. 테이블 위의 겹쳐져 있는 그림 두 개 가운데 뒤에 있는 게 꽃그림인데, 거기에는 사시사철의 꽃이 함께 그려져 있다. 금세 피었다 지는 꽃, 그것도 모든 계절의 꽃이 함께 제 모습을 잃지 않고 보존될 수 있는 방법은 이처럼 그림으로 그려 놓는 것밖에 없었다. 그림은 이처럼 실체의 대체물이었다. 거기다 아름다음으로 감동까지 더해주니 진귀한 물건들 사이에 모셔 놓기에 손색이 없었던 것이다.

실체를 대체하는 그림의 이런 능력 덕분에 때로는 그림 자체가 일종의 ‘버추얼(가상) 쿤스트카머’가 되기도 했다. 프랑켄의 그림처럼 쿤스트카머 자체를 그린 그림이 바로 그런 그림이다. 판 케설이 그린 <대륙의 알레고리>도 ‘버추얼 쿤스트카머’라고 할 수 있는데, 실제 다 모아놓기 힘든 것들을 불러 모아 지극히 진귀한 쿤스트카머를 만들었다. 유럽, 아프리카, 아시아, 아메리카 네 대륙의 사람들과 특산품, 풍경, 동물들을 백과사전적으로 모아 놓았다. 오로지 그림이기에 가능한 쿤스트카머다.

이 4부작은 대륙별로 한 개의 큰 화포가 해당 대륙의 인종과 문화, 특산품들을 보여주고, 이를 프레임처럼 둘러싼 16개의 작은 그림이 주요 도시의 풍경과 동물, 곤충 등을 보여주는 형식이다.

쿤스트카머의 형식을 띠었으므로 화가는 갖가지 사물들을 최대한 사실에 가깝게 빽빽이 그려 넣었는데, 그럼에도 아메리카 대륙에 동남아시아의 징이 그려져 있다든지, 아프리카 대륙에 일본산 바구니가 그려져 있는 등 사실의 오류가 여기저기서 보인다. 혼란스럽게 구성되어 있던 쿤스트카머의 수집물처럼 당대인들의 사실 인식은 아직 과학적인 엄밀성을 지니고 있지 못했다. 세상 어디에도 존재하지 않는 일각수의 꼬리를 수집물로 자랑하는 쿤스트카머도 있었으니 화가들의 그림에서 이런 잘못이 나오는 것도 무리가 아니었다.

지식의 역사 측면에서 볼 때 쿤스트카머의 탄생은, 중세 말까지 유럽의 과학 인식을 뒷받침해온 아리스토텔레스주의의 퇴조와 밀접한 관련이 있다. 아리스토텔레스의 자연철학은 물질론, 체계론, 우주론이 정합적으로 연결되어 있는 ‘그랜드 시스템’인데다 목적론적 성격을 띠어서 신앙의 시대였던 중세 내내 공고하게 버틸 수 있었다. 하지만 르네상스 들어 장인들의 관찰과 경험이 지식인들의 이론과 결합해 조작과 실험, 경험을 중시하는 지적 풍토를 낳게 되고, 비록 오늘의 시각에서는 비과학적이라 할지라도 실험에 매달리는 연금술이 성행하게 되면서 경험적인 탐구의 가치가 크게 높아지게 되었다. 또 지리상의 발견 이후 유럽인들이 아메리카, 아시아로부터 흘러드는 다양하고 낯선 산물들을 빈번히 접하게 된 것도 이런 경험적 탐구의 충동을 크게 북돋웠다. 유럽의 왕과 제후들은 그 변화에 부응해 그들의 실내를 진귀한 컬렉션으로 가득 채움으로써 시대의 호기심과 상상력을 이렇듯 강렬하고도 인상적인 이미지로 보여주게 된 것이다. 진귀함에 기초한 것인 만큼 쿤스트카머는 제후들의 지위와 특권을 표상해 주는 훌륭한 수단이기도 했다.

쿤스트카머가 처음 생겨난 역사 공간은 16세기 중반 독일이다. 쿤스트카머와 분더카머라는 용어는 1564~66년 프로벤 크리스토프 폰 치머른 백작이 쓴 <치머른 가계 연대기>에 최초로 기록됐다. 이탈리아에서는 쿤스트카머를 스탄치노(stanzino), 스투디올로(studiolo)로 불렀고, 영국에서는 ‘진품실’(cabinet of curiosities), 원더체임버(wonder chamber) 등으로 불렀다. 계몽의 시대인18세기 들어 박물관이 부상하면서 쿤스트카머의 시대는 저물게 된다.

출처：한겨레 신문

구로구입시미술학원

[이주헌의 알고 싶은 미술] 오리엔탈리즘 (15)

서양은 동양보다 우월하다?

오리엔탈리즘

오리엔트 지배한 유럽 제국주의 시선

교화 대상이면서 이국적 판타지 함께

 ≫ * 투르예베르, ‘하렘의 하녀’, 1874, 캔버스에 유채, 130x97cm, 니스 미술관

서양미술에서 오리엔트의 이미지는 성경 주제를 통해 제일 먼저 나타났다. 유럽인들이 볼 때 성경의 무대 자체가 동방이었고, 그 가운데서도 유대의 동쪽 출신인 동방박사가 가장 오리엔트적인 존재로 인식됐다. 그들이 동방박사라는 이름을 얻은 것은 출신지가 페르시아 제국이나 아라비아 쪽이었기 때문일 터인데, 중세미술에서 이들은 어렴풋이나마 터번 혹은 이슬람 지역의 의상 비슷한 것을 착용한 모습으로 그려졌다.

르네상스 시대에 들어서는 오스만 튀르크인들이 대표적인 오리엔트의 이미지로 그려졌다. 오스만 튀르크는 1453년 비잔틴제국의 수도 콘스탄티노플을 함락시킨 후 유럽과 아시아를 잇는 중개무역으로 번영을 누렸다. 당시 베네치아는 이들 튀르크 상인들이 드나드는 서유럽의 유일한 항구였던 까닭에 자연스레 베네치아 화가들에 의해 이들의 이미지가 빈번히 그려졌다. 베네치아 화파의 거두로 꼽히는 젠틸레 벨리니는 콘스탄티노플까지 여행해 2년간 체류하며 술탄 메흐메트 2세를 그리기도 했다.

 ≫ * 르노, ‘즉결처분’, 1870, 캔버스에 유채, 오르세 미술관

이어진 16~18세기에도 서양화가들은 오리엔트의 이미지를 지속적으로 표현했다. 그러나 19세기에 그려진 것만큼 많은 오리엔트 주제가 그려진 적은 없었다. 19세기는 그야말로 오리엔탈리즘 회화(orientalist painting)의 전성기였다. 역사적 배경으로 보면 이는19세기 유럽의 제국주의적 팽창과 밀접한 관련을 맺고 있다. 이 시기 오스만 튀르크의 쇠퇴로 인해 소아시아와 발칸 지역이 유럽 열강의 각축장이 되고, 프랑스의 알제리 점령, 영국의 인도 및 이집트 지배가 이어지면서 오리엔트 지역에 대한 유럽인들의 관심은 크게 높아졌다. 이는 18세기 끝에 있었던 나폴레옹의 이집트 원정이 오리엔트 지역에 대한 학문적·문화적 탐구 열풍을 불러온 것과 맞물려 적극적이고 왕성한 예술적 표현을 낳았다.

이런 시대적 배경으로부터 우리는 19세기의 오리엔탈리즘 회화가 이전의 회화들보다 식민주의나 제국주의의 가치를 노골적으로 드러냈으리라는 사실을 짐작할 수 있다. ‘오리엔탈리즘’의 저자 에드워드 사이드가 비판한 부정적 의미로서의 오리엔탈리즘, 곧 ‘동양과 서양을 이분법적으로 나눠 서양의 동양 지배를 정당화하고 동양에 대한 서양의 우월성을 주장하는 태도’가 그림들 속에서 또렷이 형상화되기 시작한 것이다.

프랑스 화가 폴 투르예베르의 <하렘의 하녀>를 통해 19세기 서양미술 속에 나타난 오리엔탈리즘의 모습을 이해해 보자.

하렘은 이슬람권에서 가까운 친척 외에 일반 남자들의 출입이 금지된 금남의 장소를 말한다. 오스만 튀르크 술탄의 하렘이 특히 잘 알려져 있다. 금남의 장소라는 그 이유 하나로 서양미술 속에서 이곳은 온갖 성적 환상이 피어오르는 에로티시즘의 무대로 변해버리곤 했다. 투르예베르의 그림에서도 하녀는 지금 시중을 드는 사람이라기보다는 성적인 판타지를 고무하는 존재로 그려져 있다.

노예 소녀가 왜 이리도 에로틱하고 신비로워야 하는 것일까. 그것은 소녀가 당시의 서양인들이 오리엔트 지역에 대해 갖고 있던 가장 중요한 환상의 하나인 ‘이국적 관능성’을 띠어야 했기 때문이다.

제아무리 예쁘고 화려하게 장식했어도 소녀는 그저 주인을 위해 봉사하는 노예일 뿐이다. 근대 서양한테 오리엔트는 그림의 소녀처럼 매력적이지만 스스로 자립할 수 없어 누군가의 도움을 기다리는 존재였다. 아니, 그런 존재여야 했다. 이국적 관능성의 표현 뒤에는 이런 권력 관계에 대한 확신과 요구가 자리하고 있었다.

물론 그것은 서양인들만의 생각이었다. 이와 관련해 사이드는 이런 말을 했다.

“플로베르는 이집트 창녀와 만났기 때문에 (이후) 큰 영향을 미친 동양여성의 모델을 창조할 수 있었다. 그러나 그 창녀는 결코 자신에 대해 말하지 않았고, 그녀 자신의 감정이나 이력을 소개하지도 않았다. 플로베르 자신이 그녀 대신 말했고, 그가 그녀를 대변하여 소개하고 표상했다. 플로베르는 외국인으로서 비교적 부유했으며 남자였다. 이 조건이 바로 지배라고 하는 역사적 사실을 나타냈다.”

 ≫ 앵그르, ‘터키탕’, 1862, 나무에 유채, 지름 110cm, 루브르 박물관. 하렘에 대한 에로틱 판타지의 절정을 보여주는 작품이다.

사이드가 지적했듯 동양은 서양에 의해 정의됐고 서양에 의해 대변됐다. 서양인의 인식 속에 동양은 주체인 적이 없었으며 오로지 주체인 서양의 대상적 존재, 곧 타자였다. 주체가 ‘이성적이고 합리적인 남성’으로 상정된 근대 서양 문명에서 타자가 된다는 것은 곧‘비합리적이고 수동적인 여성’이 되는 것을 의미했다. 투르예베르의 그림을 포함해 19세기 서양회화사의 수많은 오리엔탈리즘 회화가 그런 이미지로 형상화됐다.

‘이국적 관능성’과 더불어 당시의 서양이 동양에 대해 지닌 또 하나의 중요한 환상이 ‘부패와 폭압’이었다. 오리엔탈리스트들에게 동양은 폭군의 땅이었다. 그들의 눈에 동양인들은 민주적인 의사 결정 능력이 선천적으로 결여된, 전제 정치에 길들여진 존재들이었다.오리엔탈리스트들의 이런 인식은 ‘이국적 관능성’의 환상과 짝을 이뤄 그들이 이들을 지배하고 교화해야 할 이유가 됐다.

그러했기에 영국의 정치가 밸푸어는 “동양인들의 역사 전체를 관찰해 볼 때 그곳에서는 자치의 흔적조차 발견할 수 없다”며 “그들이 우리들의 통치하에서 지금껏 유례를 볼 수 없었던 우수한 정부를 갖게 됐다는 것은 그들뿐 아니라 서양 문명 전체에 대해서도 이익”이라고 강변할 수 있었다.

이렇듯 백인의 식민 지배를 유일한 대안으로, 희망으로 기대해야 하는 운명을 타고난 오리엔트. 그곳의 폭군을 그릴 때 화가들은 그만큼 센세이셔널하게 표현했다. 앙리 르노의 <즉결처분>이 그 대표적인 작품이다.

그림의 배경은 그라나다 왕국이다. 그라나다 왕국은 스페인 안달루시아 지방의 그라나다를 중심으로 한 옛 이슬람 왕국이다. 비록 서유럽에 세워진 왕국이지만, 아랍인들이 세운 나라인 탓에 오리엔탈리즘 회화의 중요한 소재가 되곤 했는데, 화가는 알람브라 궁전에서 벌어진 상상 속의 사건을 매우 인상적으로 형상화했다.

갈색 피부의 사내가 무표정한 얼굴로 칼에 묻은 피를 자신의 옷으로 닦고 있다. 그가 서 있는 계단에 주검이 쓰러져 있는데, 머리가 목으로부터 떨어져 나갔다. 재판도 없이 즉결처분이 이뤄진 것이다. 동방에서 절대 권력의 요구에 제대로 부응하지 못한 자는 이처럼 늘 무자비하게 처단된다. 인권이나 법, 정의를 이야기하는 것은 우스운 일이다. 선혈이 낭자한 계단의 잔인한 풍경은 배경의 화려한 아라베스크 무늬와 대비되며 동양의 매력과 공포를 동시에 확산시킨다. 어쩌면 이는 19세기 유럽이 겪은 스스로의 잔인성 혹은 가학적 욕망을 날것 그대로 투사한 장면일 수 있다.

물론 19세기의 모든 오리엔탈리즘 회화가 편견과 우월성에 사로잡혀 표현된 것은 아니다. 뒤로 갈수록 적극적으로 현장 답사에 나선 화가들이 늘어나면서 객관적인 사실 묘사에 치중한 그림들도 생겨났다. 하지만 이 시기의 오리엔탈리즘 회화 대부분은 많건 적건 그 부정적인 관념의 지배로부터 결코 자유롭지 못했다.

출처：한겨레 신문

구로구미술학원 / 전원미술학원 구로 캠퍼스

[이주헌의 알고 싶은 미술] 빅토리안 페인팅 (14)

화사하고 달콤하고 매끈한 그대여!

빅토리안 페인팅

영국 빅토리아여왕시대 양산

미술사적으로는 이류로 찍혀

현대에 들어 ‘대중성’ 재평가

 ≫ 로제티, <피아메타의 환상>, 1878, 유화, 개인 소장. 일찍 죽은 보카치오의 연인을 사과 꽃을 배경으로 화려하고 장식적인

  이미지로 표현한 작품.(왼쪽)  /  앨마 태디마, <견해차>, 1896, 유화, 개인 소장(오른쪽)

서양미술사 개론서들을 읽다 보면 서술의 대부분이 새로운 양식이나 사조를 이끈 유파와 작가들에게 집중되어 있는 것을 볼 수 있다. 물론 문화예술 분야에서 새로운 흐름을 만들고 이끄는 이들이 갖는 중요성은 두말할 필요가 없다. 하지만 이들에게만 조명이 집중될 때 묵묵히 기존의 전통을 잇거나 당대 대중의 미감이나 취향을 중시한 이들은 실제 가치보다 지나치게 평가절하되기 쉽다.

근대 미술사에서 이런 외면을 받은 대표적인 미술이 영국 빅토리아조(1837~1901)의 회화다. 흔히 ‘빅토리안 페인팅’이라고 하는 이 영국 회화는 빅토리아 여왕의 치세 시기에 제작된 그림들로, 갈래나 스타일도 다양하고 무엇보다 엄청나게 많은 작품이 생산되었음에도 미술사적으로는 그다지 중요하게 취급되지 않았다. 아니, 거의 무시되었다. 대중의 취향이 강하게 반영돼 ‘센티멘털’한 성격이 짙은데다 양식적으로도 절충적이라는 평가를 받아 ‘이류 미술’의 대명사가 되어버렸기 때문이다.

이 회화가 얼마나 큰 ‘미술사의 저주’를 받았는지는, 대표작가 가운데 한 사람인 로런스 앨마 태디마(1839~1912)의 작품 값 변동을 보면 알 수 있다. 살아생전 1만 파운드가 나가던 그의 작품이 그의 사후 20년 뒤 20파운드로 떨어졌다. 가치가 500분의 1로 줄어든 것이다. 미술사가 갈수록 전위적이고 실험적인 미술에 초점을 맞추면서 그는 사후 사반세기도 못 되어 무명작가가 되어버렸다. 심지어 사람들이 그를 남자인지 여자인지도 구분하지 못하는 현상까지 생겨났다. 그래도 살아 있을 때 가장 인기 있는 화가이자 가장 작품 값이 비싼 화가였고, 예술 발전에 끼친 공로로 기사 작위까지 받았다는 사실을 고려하면 이는 엄청난 명성의 ‘급전직하’였다.

하지만 오늘날 그의 작품은 수작의 경우 100만파운드(20억원) 이상의 가격에 거래된다. 이는 그의 명성이 다시 회복되었음을 의미하는데, 그 같은 변화를 통해 빅토리안 페인팅에 대한 사람들의 인식도 크게 바뀌었음을 알 수 있다. 그런 점에서 빅토리안 페인팅은 현대에 들어 재발견된 미술이라고 할 수 있다.

앨마 태디마의 작품 <견해차>를 봄으로써 빅토리안 페인팅의 매력과 이 미술이 그동안 겪을 수밖에 없었던 ‘수난’의 이유를 살펴보자.

≫ 도일, <풀잎 아래-어느 가을 저녁의 꿈>, 1878, 수채화, 대영박물관.

그림은 고대 로마를 배경으로 하고 있다. 그렇다고 대단한 신화 이야기나 역사적 사건을 소재로 한 작품은 아니다. 그림의 주인공은 로마 시대의 이름 모를 선남선녀다. 그들은 지금 수반(水盤) 곁에 서 있다. 여인은 먼 곳으로 시선을 돌리고 남자는 그런 그녀를 답답하다는 듯, 안타깝다는 듯 바라보고 있다. 지금 두 남녀 사이에서 어떤 일이 벌어지고 있는지는 정확히 알 수 없다. 하지만 제목이 시사하듯 두 사람은 무언가에 대해 이견을 보이고 있다. 정황상 그것은 분명 사랑 문제와 관련이 있을 것이다. 굳이 고대 로마가 아니더라도 언제 어디서나 벌어질 수 있는 사소한 남녀 사이의 갈등을 아련하고 낭만적인 이미지로 표현한 작품이다.

이 그림을 보며 갖게 되는 첫인상은 매우 달콤하다는 것이다. 비록 주인공 남녀가 나름의 갈등 구조 속에 있는 게 분명해 보이나, 그것조차 사랑과 추억의 달콤함과 관련된 그런 것이다. 화사한 햇빛, 아름다운 풍경, 영화의 한 장면 같은 상황 …. 우리도 현실의 복잡하고 골치 아픈 일들일랑 다 잊고 저 청춘남녀처럼 환상적인 이국땅에서 달콤하고 낭만적인 일상을 만끽하고 싶다는 생각이 든다.

이런 센티멘털리즘과 화려하고 매끄러운 표현은 당대의 대중들에게 크게 격찬을 받은 요소였지만, 바로 그게 미술전문가들에게는 눈살을 찌푸리게 하는 요소였다. 사실 빅토리안 페인팅만큼 화려하고, 감각적이고, 눈물이 많고, 로맨틱하고, ‘야한’ 그림도 드물다. 어쩌면 서양미술사상 가장 대중성이 강한 그림이라고 할 수 있다.

당시 영국에서 이런 그림이 나오게 된 데는, 빅토리아 여왕의 치세 동안 영국이 세계에서 가장 강력하고 근대적이며 부유한 나라였다는 사실이 영향을 끼쳤다. 자수성가한 많은 중산층이 자신들의 기호를 적극적으로 추구하기 시작했고, 그들의 대중적인 입맛과 취향이 화가들의 붓놀림에 거대한 중력으로 작용했다. 대중의 부와 낙관주의, 자기 확신 같은 것이 서양미술사상 그 어느 때보다 중요한 창작의 동기로 기능했다.

산업화와 근대화의 측면에서 보면 프랑스도 영국 못잖은 주도국이었다. 그러나 프랑스가 여러 차례 혁명을 겪는 동안 영국에서는 한 번도 혁명다운 혁명이 없었다. 이런 정치적·사회적 차이는 문화의 전개에서도 유사한 차이로 이어지는데, 이를테면 프랑스의 미술사조가 신고전주의-낭만주의-사실주의-인상파-후기인상파로 이어지며 뒤의 것이 앞의 것을 부정하는 혁명의 형식이었다면, 영국은 앞의 것과 뒤의 것, 옛것과 오늘의 것, 엘리트의 것과 대중의 것이 서로 섞이고 타협하는 절충의 형식이었다.

대륙의 ‘각진’ 사조들이 영국으로 흘러들어와도 이는 금세 무뎌져 앨마 태디마의 그림에서 보듯 한 그림 안에서 신기할 정도로 절충적으로 섞이고 거기에 대중의 취향까지 잘 버무려져 들어가곤 했다. 이는 실로 빅토리안 페인팅만이 보여줄 수 있는 독특한 개성이었으나, 문제는 이런 절충주의가 모더니스트들의 견지에서 볼 때는 일종의 타락이요 저급함이었다는 사실이다.

오늘날 빅토리안 페인팅의 명성이 많이 회복되었다고는 해도, 이 회화의 절충주의와 감상주의를 어떻게 볼 것이냐 하는 문제는 여전히 논란의 여지를 안고 있다. 다만 지나친 순수주의의 경직성을 보인 모더니즘과 달리 포스트모던의 시대는 절충주의를 선호하고, 대중문화가 산업화되는 오늘 대중의 감성과 감수성을 다른 무엇보다 중시하는 현상이 그래도 빅토리안 페인팅에 우호적인 환경이 되어주고 있다.

빅토리안 페인팅의 장르는 초상과 풍경, 풍속, 동화, 스포츠와 레저, 사교계, 역사, 신화, 누드 등 매우 다양하다. 이 가운데 동화 그림(fairy painting)은 다른 미술에서는 흔하지 않은 이 미술의 인기 장르다. 빅토리아 여왕 시대의 영국인들이 동화 주제의 그림을 좋아했다는 것은 어쩌면 오늘날 현대인들이 영화에 열광하는 것에 비교할 수 있다. 영화든 그림이든 이미지를 통해 환상과 꿈을 추구한다는 것은 그만큼 그 사회가 강한 현실도피의 충동을 갖고 있다는 이야기이기도 하다.

동화 주제 그림은 당연히 문학을 바탕으로 발달할 수밖에 없었는데, 셰익스피어의 <한여름 밤의 꿈>, 스펜서의 <요정 여왕> 등이 인기 있는 주제였다. 리처드 도일의 <풀잎 아래-어느 가을 저녁의 꿈>은 동화 그림이 지닌 환상성과 아름다움을 잘 보여주는 작품이다.얼핏 보면 평범한 숲을 그린 그림 같지만, 아랫부분 풀잎들을 잘 보면 작은 요정들이 무리지어 춤을 추는 모습을 볼 수 있다. 빅토리아 시대의 영국인들은 미술이 저런 요정들의 숲과 같은 아름답고 꿈결 같은 안식처가 되어주기를 바랐던 것이다.

출처：한겨레 신문

구로구입시미술학원/광명시입시미술학원